Département ARTSEcole normale supérieure - PSL

Nadeije Laneyrie-Dagen

MARDI

10H30 - 12H30

S1/S2

(sécables)

Le premier semestre se concentrera sur l’art moderne : il sera question de la représentation de la maladie, de celle de la difformité ; mais aussi de sujets plus joyeux, quoique parfois dangereux : le sport, la fécondité — la grossesse, l’accouchement. De thématiques, également, qui ont leur importance dans l’histoire du portrait (les soins dentaires ou leur absence) et dans celle de la joaillerie (les pommes d’amour, pour éloigner miasmes et mauvaises odeurs en général). On parlera de médecine « magique », c’est-à-dire de rapports superstitieux à l’image : image performative, propitiatoire ; rites de toucher ; d’ingestion. L’iconographie du médecin, de ses instruments, nous occupera peu et, des images anatomiques, nous examinerons surtout les détournements érotiques. 

Le semestre 2 se concentrera sur les XIX^e-XXI^e siècles, et sur le thème des maladies contagieuses : de la syphilis au covid, en passant par le sida. Il ne s’agira pas d’une histoire médicale, mais bien du rapport de l’image et de la maladie.

Cours méthodique d’histoire de l’art

Nadeije Laneyrie-Dagen
et Katia Sowels

MERCREDI

14H - 16H30

S2 : hebdomadaire, le mercredi de 14 h à 16 h 30 : janvier / février au musée du Louvre ; mars – avril au musée d’Orsay etc.

Ce cours, pérenne depuis des années, vise à une initiation, « méthodique » comme l’indique le titre, d’étudiant•es qui n’ont pas une culture préalable en histoire de l’art. Les étudiants de première année, ceux venus des d’autres disciplines que l’histoire de l’art, y compris des disciplines relevant des sciences exactes, sont les bienvenus. Mais les normaliens qui commencent à préparer le concours de conservateur du patrimoine y trouvent en général aussi leur compte, à cause du spectre chronologique large que ce cours concerne. D’une année à l’autre, les approches varient, dans le souci commun d’une introduction qui privilégie d’abord le regard sur les œuvres elles-mêmes. En 2023-2024, le cours se fera en alternance à l’ENS (principalement, au S1) et au musée (principalement, au S2).

Séminaire spécialisé : « Création collective »

Katia Sowels

MARDI

8H30 - 10H30 

S1/S2

De nombreux poètes et artistes du XX^e siècle, les surréalistes et les situationnistes en tête, ont élevé en mot d’ordre la célèbre formule de Lautréamont : « La poésie doit être faite par tous. Non par un. » Ce cours propose une introduction et une traversée de l’histoire de l’art du XX^e siècle, depuis les avant-gardes historiques (1er semestre) et jusqu’aux années 1960-1970 (2nd semestre), sous l’angle de la création collective. Cordées, couples, amitiés, groupes, associations ou collectifs d’artistes, nous permettront d’interroger le renouvellement du statut des œuvres d’art et de leurs auteurs, récusant la mythologie de l’artiste solitaire et les carrières individuelles au profit de communautés de création et d’engagements artistiques et politiques.

Du cadavre exquis aux happenings et à partir d’un corpus ne visant pas à l’exhaustivité, on s’attachera aux conditions, aux processus et aux formes des œuvres faites à plusieurs, ainsi qu’aux évolutions des régimes d’exposition et de diffusion favorables à l’union des artistes, tout en tâchant de faire la part entre l’art collectif, l’art collaboratif, l’art anonyme ou encore l’art participatif.

Séminaire de tutorat

Nadeije Laneyrie-Dagen et
Katia Sowels

MARDI 2/3 FOIS
PAR MOIS

14H - 16H 

Salle Weil 

Calendrier précisé à la rentrée.

Cet enseignement partagé entre deux enseignantes, est réservé aux Normaliens et Mastériens spécialistes d’histoire de l’art. On y alternera lectures de textes ; questions d’actualité ; et (séances spéciales avec les élèves concernés, préparation aux épreuves de l’INP : commentaire d’œuvres, et oraux). Les étudiants sont appelés à se saisir de ces séances, c’est-à-dire à y parler, débattre : les enseignantes proposant les sujets, modérer, animer, les discussions. La validation du cours dépend de la participation effective de chaque étudiant. 

Actualité des expositions d’art contemporain dans les galeries à Paris :
Every other week, the tutoring seminar will be given in English. Each session will be devoted to a collective discussion about an ongoing contemporary art exhibition in a Parisian gallery. The objective will be twofold : 1) to learn about the diversity of contemporary creation - its issues, its debates, its actors and its places - outside the museum sector, with which students are already familiar ; 2) to acquire the theoretical, methodological and critical tools, as well as the vocabulary in English expression, to analyse current works of art (participation will involve critical exhibition reviews and commenting works).

Images sans paroles : comment l’art s’exprime sans dire mot

JEUDI

14H30 - 16H

Salle Weil

Ce cours vise à explorer les différentes façons dont l’art communique sans recourir à la parole. En analysant une série d’exemples anciens et contemporains, nous nous approcherons de la source dont se nourrit, au sein des langages artistiques, la puissance du visuel. Nous étudierons de nombreux motifs permettant de comprendre comment une image peut exprimer des idées ou des concepts.
En étudiant quelques représentations des saints, des dieux et des personnages mythologiques (par exemple, Deucalion et Pyrrha, "Le Tableau" de Cébès, etc.), nous verrons quels attributs iconographiques sont associés à ces figures, puis la manière dont ces attributs véhiculent des significations et sont employés afin d’identifier ou de différencier les personnages et les messages associés.
Pour mieux comprendre ses significations symboliques et spirituelles, nous explorerons les représentations artistiques de la lévitation à travers différentes époques.
Le thème du rêve nous plongera dans un domaine fantasque mais hautement signifiant, dans lequel les artistes tentent de saisir et de communiquer l’essence d’un rêve à travers l’image.

Comment l’art nous parle-t-il ? Comment parlons-nous de l’art ? À travers l’architecture de Thérèse d’Avila et ses visions, nous étudierons la façon dont un texte peut être utilisé pour créer des espaces et des environnements qui inspirent une expérience spirituelle et transcendante. À travers les idées philosophiques de Heidegger (« L’Origine de l’œuvre d’art ») et leur réception contemporaine, nous poserons la question de la vérité dans la communication à travers l’art visuel.
Le dilemme du musée, entre conserver et exposer, nous mènera vers la question de la présence d’un langage artistique dans une culture. Nous explorerons les normes et les conventions, les lieux communs et les clichés présents dans ses langages, ainsi que les différentes façons dont les artistes contemporains abordent et utilisent l’image.

Séminaire Autochtonie, hybridité, anthropophagie (IV)

Morgan Labar

UN MERCREDI PAR MOIS

17H - 19H30

Salle Weil 

S1/S2

(insécables)

Avancé

CALENDRIER (S2) : 31 janvier / 28 février / 27 mars / 24 avril / 22 mai

Séminaire de recherche mené en collaboration avec Daria de Beauvais, Senior Curator au Palais de Tokyo.
Cette année le séminaire poursuit l’étude des arts contemporains autochtones (principalement des Amériques et d’Océanie) et des questions d’identité culturelle. Les termes « autochtonie », « hybridité » et « anthropophagie » (en référence au Manifeste Anthropophage d’Oswald de Andrade publié en 1928) sont accolés afin d’éviter les assignations identitaires et d’interroger l’invention de pratiques et d’identités fluides, déjouant les catégories héritées du colonialisme et permettant de repenser les rapports à la nature, au territoire, aux autres humains et aux autres qu’humains.

En laissant la parole à des chercheureuses et à des artistes, le séminaire déplace la focale des questions institutionnelles vers celles des processus créatifs, des identités assignées vers les pratiques par lesquelles l’individu s’auto-désigne et invente ses relations au monde. La notion d’anthropophagie culturelle interroge également l’articulation des questions d’identification à celles de visibilité, d’appropriation, de prédation, d’exploitation et d’extraction : nombre d’artistes autochtones utilisent les arts visuels comme vecteurs d’émancipation et de guérison, travaillant aujourd’hui à « être vu·es et non mangé·es » (Jill Carter).
Des séances de lecture et de discussion de textes alterneront avec des invitations à des chercheureuses et artistes.

Semestre 1 et 2 : un mercredi par mois, de 17h à 19h30
Validation : exposé sur un article ou chapitre d’ouvrage 

Musique et dramaturgie : l’opéra
Après l’orientalisme : peut-on décoloniser l’opéra ? 

Fériel Kaddour

LUNDI

10H30 - 12H30

S2

Ouvert à tou.te.s

PREMIERE SEANCE : 5 février

Ce séminaire prend place dans un cycle consacré depuis 2016 à l’étude de l’opéra. Il proposera cette année un parcours reliant orientalisme et décolonialisme. Le point de départ sera pris dans des œuvres (Les Indes Galantes, L’Enlèvement au sérail) représentatives d’un orientalisme d’avant la colonie. Trois autres œuvres prises dans le répertoire du 19^ème siècle (L’Italienne à Alger, Lakmé et Aida) viendront illustrer les contradictions d’un impérialisme mis en scène.

L’approche sera centrée sur l’histoire des mises en scène de ces quatre opéras, de leur création à l’époque contemporaine, ainsi que sur des analyses stylistiques de la composition musicale.

L’idée de nature dans le Lied romantique allemand. Expérience collective de recherche

Fériel Kaddour

dates à préciser

PREMIERE SEANCE : février, à préciser à la rentrée

Le poète chantant au cœur de la Nature : telle semble être la posture convenue du Lied romantique (et post-romantique) allemand. C’est cette posture qu’il s’agira d’interroger, en travaillant sur quelques œuvres centrales de ce répertoire : Le Voyage d’hiver et La Belle Meunière (Müller/Schubert), le Liederkreis opus 39 (Eichendorff/Schumann), Le Chant de la terre (Mahler), etc. NB : le programme est le même qu’en 22/23, mais les œuvres et les problématiques abordées seront différentes. La spécificité du séminaire tient à ses approches pluridisciplinaires et sa démarche repose sur des analyses croisées des poèmes et des partitions. Mais il n’est pas pour autant impératif de savoir lire une partition pour s’y inscrire. Les travaux de recherche seront répartis par groupes pluridisciplinaires : toutes les compétences y sont les bienvenues !

Le nombre de places est limité : s’adresser à feriel.kaddour@ens.fr pour solliciter une inscription.

Le séminaire s’organisera comme suit :
- Deux séances préparatoires, le jeudi (15h30-18h30) – dates précisées à la rentrée
- Stage délocalisé sur quatre jours – dates précisées à la rentrée
- Restitution des travaux les 30 et 31 mai

Validation : mini-mémoire (6 ects) ou présentation orale (expérience collective de recherche).

Introduction à l’histoire de la musique par l’écoute des œuvres

Karol Beffa

MERCREDI

17H -19H

 
S1/S2

Initiation /
avancé

Les deux semestres peuvent être suivis indépendamment.

Ce séminaire est ouvert aussi bien aux non-spécialistes, donc aux étudiants et élèves de première année, qu’aux spécialistes, plus avancés dans leurs études. La période étudiée va de Bach à nos jours. Il s’agira essentiellement de musique occidentale savante, mais il sera fait ponctuellement référence à des musiques extra-européennes. Il constitue par ailleurs une préparation à l’épreuve de commentaire d’écoute du concours d’entrée au Conservatoire national supérieur de musique de Paris en classes d’érudition (esthétique, culture musicale, analyse, histoire de la musique).

Validation : participation et exposé.

Lydia Goehr : une philosophie de la musique

Fériel Kaddour et
Alexis Anne-Braun

JEUDI 15H30-18H30

4 séances de 3h

calendrier à la rentrée

 à préciser

Avancé

En collaboration avec Alexis Anne-Braun (département ARTS et département de PHILOSOPHIE). Expérience transdisciplinaire.

Lydia Goehr (née en 1960) est la figure principale d’un renouveau de la philosophie de la musique dans le monde anglophone. Puisant aussi bien aux sources de la critique (Adorno) qu’à celles de l’analyse (Goodman, Danto), elle a proposé au cours des dernières décennies une réflexion sur le statut de l’œuvre d’art et sur la musique en société. Elle est l’auteure de quatre ouvrages essentiels : The Imaginary Museum of Musical Works : An Essay in the Philosophy of Music (1992), The Quest for Voice : On Music, Politics, and the Limits of Philosophy (1998), Elective Affinities : Musical Essays on the History of Aesthetics Theory (2008), Red Sea – Red Square – Red Thread (2021) qui serviront de base aux journées d’études « Lydia Goehr : une philosophie de la musique », programmées pour les 26-27 avril 2024 à l’Ens.

Quatre séances de 3h seront consacrées à la préparation de ces journées d’études (lectures, interventions, questions). Elles auront lieu le jeudi, de 15h30 à 18h30 (dates précisées à la rentrée). Les étudiant.e.s du séminaire participeront en outre à une séance de discussion en présence de Lydia Goehr (semaine du 22 avril). Les étudiant.e.s devront rédiger un bref essai de restitution à l’issue des journées d’études.

Le nombre de places étant limité, inscription obligatoire auprès de feriel.kaddour@ens.fr et alexis.anne-braun@ens.psl.eu

Pré-requis du séminaire : bonne maîtrise de l’anglais.
Validation : suivi de l’ensemble des séances (dont les deux journées d’études), travail écrit.

Musicologie pour spécialistes  : analyse, esthétique

Fériel Kaddour

LUNDI

14H - 17H

 salle Musique 46

6/S

S1/S2

(sécables)

Avancé

Réservé en priorité aux musicologues spécialistes, ce séminaire a pour but l’acquisition d’une connaissance tant technique qu’esthétique des styles « classique » (Mozart, Haydn, Beethoven) et « romantique » (Schubert, Schumann, Chopin). Il s’ouvre ponctuellement à d’autres répertoires : œuvres créées par l’ensemble Itinéraire (en collaboration avec Fabre Guin) ; ainsi qu’à des problématiques issues de la théorie critique (Adorno) et de la New Musicology (notamment les études féministes et décoloniales). Ce séminaire est également ouvert aux étudiant.e.s spécialistes d’autres disciplines qui souhaitent intégrer la musicologie dans leur parcours d’études. Pré-requis : très bon niveau de solfège et bases solides d’analyse musicale.

Validation : contrôle continu (exercices d’analyse harmonique et commentaires sur partition).
Possibilité de valider en sus une expérience collective de recherche dans le cadre de la journée d’études consacrée à l’Ensemble Itinéraire (10 novembre 2023). Renseignements complémentaires à la rentrée.

La critique en arts du spectacle, supports, enjeux et mutations : Danse

Marion Chénetier-Alev

 MERCREDI

10H30 - 13H30

Ouvert à tou.te.s

PREMIER COURS : le 24 janvier 2024.

Ce séminaire questionne la réception des pièces chorégraphiques et ce qu’elles présupposent quant aux définitions de l’œuvre chorégraphique et de la danse elle-même, ainsi que les différents angles critiques qui s’offrent à qui veut rendre compte d’un spectacle de danse. Il accueille des interventions de critiques et de spécialistes des notations en danse, et couvre essentiellement les productions chorégraphiques françaises et étrangères depuis 1980. Les étudiants seront amenés à produire des textes critiques à partir des spectacles issus de la programmation danse 2023-2024.

Nota Bene  : L’inscription à ce séminaire ne requiert pas d’avoir une pratique ou une connaissance préalable de la danse.

Validation  : Assiduité et production critique.

Théâtre et médias : La création radiophonique contemporaine

Marion Chénetier-Alev

VENDREDI

10H30 - 13H30

PREMIER COURS : le 26 javier 2024.

Ce séminaire poursuivra la découverte, l’étude et la pratique des créations radiophoniques contemporaines en interrogeant l’évolution entre les formes créées par les grands réalisateurs de la fin du XX^e et du début du XXI^e, et les productions sonores actuelles auxquelles les nouvelles pratiques de l’écoute (podcasts, plateformes audio, festivals de l’écoute) offrent un champ de réinvention possible. L’accent sera mis sur les outils à concevoir pour analyser les compositions sonores. Le travail reposera sur l’écoute intensive des œuvres, incluera une pratique du logiciel Reaper et une production sonore personnelle ou collective, en collaboration avec le créateur sonore David Christoffel.

Validation  : Assiduité et analyse ou production d’une œuvre radiophonique.

La performance : de l’art contemporain à la scène contemporaine

William Ravon

MARDI

10H30 - 12H30

PREMIER COURS : le 23 janvier 2024.

Ce cours propose d’interroger l’histoire de la performance, à la lumière de la scène contemporaine. Entre les années 1960 et 1970, la performance dans son sens restreint (« performance art ») entendait désigner en premier lieu la production d’un acte vivant, par des artistes issus du champ des arts plastiques au sein de lieux d’exposition non spectaculaires (musées, galeries, etc). Cependant, le terme de performance s’est peu à peu étendu au champ du spectacle vivant, autant pour désigner l’influence des arts plastiques à l’égard du théâtre, que pour qualifier un certain devenir de la scène dans ses modalités de représentation.

Si nous nous intéresserons aux artistes qui se sont d’emblée situés à la lisière entre performance et l’art de la scène (Richard Schechner, Tatsumi Hijikata, Laurie Anderson, Tadeusz Kantor…), ce cours sera également l’occasion d’apprécier l’héritage encore vivant des premières figures emblématiques de la performance (Carolee Schneemann, Joseph Beuys, Gina Pane, Bruce Nauman…) sur la scène contemporaine (Romeo Castellucci, Rodrigo García, Angélica Liddell…). Ce parcours nous permettra notamment d’entrevoir comment les nouvelles notions de « plasticité », de « présence » ou de « risque » – entre autres – se sont progressivement imposées dans le champ des études théâtrales.

Validation : Exposé oral ou dossier écrit.

Spectacles phares (XXe-XXIe siècle)

Anne-Françoise Benhamou,
Kenza Jernite et
Floriane Toussaint 

 MARDI

16H - 18H30

PREMIER COURS : le 23 janvier 2024.

Certains spectacles réputés majeurs sont régulièrement évoqués dans l’histoire de la scène des XXe et XXIe siècles. Il s’agira ici de revenir, le plus précisément possible, sur quelques-uns de ces « phares » de la mise en scène, à raison d’un spectacle par séance, et, en connaissance de leur histoire, de les discuter au présent : comment peut-on les regarder d’aujourd’hui ? Que comprend-on ou ne comprend-on pas dans une vidéo, dans une archive ? Qu’y voit-on de différent de leur mythe ? Quel usage faire de traces parfois si minimes ? Ce séminaire à trois voix et à deux générations de spectatrices alternera des spectacles présentés par des archives (notamment captations vidéo) et des spectacles de la saison réalisés par des artistes ayant marqué l’histoire de la scène. Nous aborderons notamment des spectacles de Tanguy, Castellucci, Castorf, Chéreau, Liddell, Lupa, Mnouchkine, TgSTAN et Vitez.

Prérequis : Il est fortement conseillé aux participant·es de voir au S1 Item et Par autan du Théâtre du Radeau au T2G.

Validation : assiduité, dossier

A la place de… Qui, pour parler de quoi, en art ?

Alexis Anne-Braun et
Anne-Françoise Benhamou

LUNDI

16H - 18H

Salle des Actes

Plus d’information à venir.

Séminaire annuel de l’ITEM

UN JEUDI PAR MOIS

14H - 16H

S1/S2

(insécables)

Ouvert à tou.te.s

Placé sous la responsabilité d’Aurèle Crasson (Directrice adjointe ITEM) et de Delphine Desveaux (Directrice des Collections Roger-Viollet / BHVP), ce séminaire entend lancer une réflexion autour de la matérialité du photographique, le « du » permettant d’éviter la confusion entre photographie et image, medium et sujet, support et procédé et de problématiser la notion d’œuvre.

A l’ère du soi-disant tout numérique où de l’image toute puissante et envahissante est produite autant par des professionnels que par des amateurs, par des artistes que par des reporters, revenir sur la matérialité photographique (du choix du film au choix de la typologie de l’épreuve produite ou du choix de l’utilisation de « l’image » diffusée) permet de questionner les notions de processus à l’œuvre dans les travaux des photographes et de poser les conditions de leur analyse génétique.
Pour comprendre les enjeux d’une génétique photographique, le séminaire s’intéressera à l’ensemble des éléments qui font « trace » dans la photographie argentique comme numérique.
La question de l’œuvre, sa notion si prégnante et si souvent contestée du fait même du principe de reproductibilité de la photographie, sera convoquée avec des exemples montrant la grande variabilité de son statut.

Un retour sur le pourquoi de l’invention du procédé et ses multiples déclinaisons depuis 1827 démontrera la variété du photographique et ses possibles si étendus et toujours comme en expansion, ayant mené à l’invention d’un langage photographique pratiqué aujourd’hui par tout à chacun ou presque.

Le séminaire se déploiera autour de 8 séances – dont deux sous forme d’ateliers pratiques (tirage et composition) qui permettront de découvrir diverses techniques en laboratoire et d’aborder la question de "l’éditing". Il débutera par une présentation du séminaire, se poursuivra par une immersion dans l’histoire de la photographie avec une visite au musée Nicéphore Niepce à Chalon-sur-Saône et accueillera aux séances suivantes, des photographes dont le travail illustre la thématique "remploi, recyclage, assemblage" choisie comme support de réflexion pour l’année 2023-24.

CALENDRIER : 

19 octobre 2023 - ENS, 14h-16h - Aurèle Crasson (ITEM) Delphine Desveaux (Directrice des collections Roger-Viollet)
Présentation de la thématique étudiée pour l’année 2023-24 : « Remploi, recyclage, assemblage »,

23 novembre 2023 - Musée Nicéphore Niépce, journée - SYLVAIN BESSON (directeur des collections musée Nicéphore Niépce)
« Entrée en matière » au musée Nicéphore Niépce à Chalon-sur-Saône

21 décembre 2023 - ENS, 14H-16H - AGNES GEOFFRAY (artiste plasticienne)
(titre à venir)

18 janvier 2024 - ENS, 14H-16H - MARION PERCEVAL (Directrice de la Donation Jacques Henri Lartigue)
(titre à venir, séance Jacques Henri Lartigue)

7 mars 2024 - ENS, 14H-16H - IDEYUKI ISHIBASHI (photographe)
« Présage »

25 avril 2024 - ENS et Labo photo, 14H-18H 
Atelier « tirage » (demi journée) avec Anne Lefèbvre (sous réserve)

23 mai 2024 - ENS, 14H-16H
Le tirage professionnel (Tireur à confirmer)

6 juin 2024 - ENS, 10h-18H - Atelier avec JEAN-MICHEL FAUQUET (Photographe)
« Le punctum et le Kairos, écriture de l’accrochage et de l’édition »