Département ARTSEcole normale supérieure - PSL

Avant-gardes et photographie (1^er XX^e siècle)
Avant-Gardes and Photography (Early 20th Century)

Olga Lemagnen

MERCREDI

14H - 16H

Salle Weil

(sauf les 11/03, 18/03, 8/04 et 15/04 : salle des résistants)

S2

PREMIER COURS : le 21 janvier 2026.

Dans la première moitié du XX^e siècle, la photographie se situe au carrefour de toutes les modernités artistiques qu’elle traverse, intègre et nourrit, au-delà des frontières des mouvements établis. Souvent étudiée et enseignée à part, elle est pourtant présente dans tous les mouvements d’avant-garde, du futurisme à l’abstraction, en passant par le dadaïsme, le surréalisme ou encore le constructivisme. Ce cours propose une lecture transversale de l’histoire des avant-gardes à travers le prisme de la photographie. Il entend montrer comment la reconnaissance artistique de la photographie et celle des avant-gardes se sont construites simultanément et en étroite collaboration dans la première moitié du siècle dernier. Tandis que certains artistes ont fait de la photographie un médium central de leur pratique, d’autres, sans être photographes, y ont eu recours en tant qu’usagers, au point qu’elle envahisse bon nombre de pratiques artistiques : collages, montages, appropriations, détournements. Ce cours examinera comment la photographie a contribué à structurer les mouvements d’avant-garde : soit que ses réseaux aient contribué à leur reconnaissance (Alfred Stieglitz et la galerie 291), soit qu’elle ait conceptuellement nourri leur avènement (André Breton définit l’écriture automatique comme une « photographie de la pensée »). Il montrera enfin comment la photographie a participé à la construction de l’imaginaire de ces mouvements et comment, en retour, ces derniers ont participé à écrire une histoire de la photographie, en lui attribuant des figures fondatrices et en construisant une lignée de continuateurs.

Validation : mini-mémoire.

Cours méthodique d’histoire de l’art – XIX^e et XX^e siècles
Art History : A Methodical Approach – 19th and 20th Centuries

Olga Lemagnen

VENDREDI

(voir ci-dessous)

S2

Ouvert à tous.tes

sur inscription

CALENDRIER : la première (23/01 : 14H-18H) et la dernière séance (24/04 : 14H-18H) se feront à l’ENS (salle Weil), les autres à l’extérieur (musée d’Orsay et musée d’Art moderne de Paris).
INSCRIPTION : Places limitées – inscription obligatoire par email

Ce cours, pérenne depuis des années, vise à une initiation, « méthodique » comme l’indique le titre, d’étudiant.es qui n’ont pas une culture préalable en histoire de l’art. Les étudiant.es de première année, celles et ceux venus d’autres disciplines que l’histoire de l’art, y compris des disciplines relevant des sciences exactes, sont les bienvenus. Mais les normaliens qui commencent à préparer le concours de conservateur du patrimoine y trouvent en général aussi leur compte, à cause du spectre chronologique large qu’il embrasse. Ce semestre, le cours proposera un parcours au sein des collections d’art des XIX^e et XX^e siècles du Musée d’Orsay et du Musée d’Art Moderne de Paris, par une approche qui privilégie d’abord le regard sur les œuvres elles-mêmes et leur analyse.

Validation : devoir écrit.

Art et Empire : les imaginaires coloniaux en France, 1650-1850
Colonial Imaginaries in France, 1650-1850

Charlotte Guichard

MERCREDI

10H30 - 12H30 

Salle des Actes
(sauf le 4/02 : salle Camille Marbo)

PREMIERE SEANCE : le 21 janvier 2026.

Ce séminaire de recherche porte sur les cultures visuelles et artistiques de l’Empire français, au moment de sa première expansion, puis de sa redéfinition au tournant du dix-neuvième siècle avec la tentative de colonisation de l’Egypte et puis celle de l’Algérie. Il articulera l’histoire de l’empire et de la conquête coloniale aux matériaux visuels, artistiques, artefactuels qui en témoignent. Ce séminaire sera aussi un lieu de discussion des nouveaux travaux en histoire de l’art moderne dans un paysage historiographique en plein renouvellement sur ces questions.

Validation : assiduité, participation, note critique.

Le dessin à l’œuvre
The Drawing at Work

Charlotte Guichard

MARDI

9H30 - 12H30

Salle des Actes

(sauf les 20/01 et 14/04 : salle Borel)

S2

Initiation

PREMIERE SEANCE : le 20 janvier 2026 (en salle Borel).

Ce séminaire interroge le rôle essentiel du dessin dans la création artistique, dans le domaine des beaux-arts mais aussi dans les arts décoratifs ou appliqués - les « arts du dessin », comme on les appelle au XVIII^e siècle. Plusieurs questions seront abordées : les apprentissages académiques, les usages du dessin (esthétiques, techniques et scientifiques ou cognitifs) et enfin les spécificités matérielles du médium (avec ses qualités d’adaptabilité, de portabilité, de plasticité). Envisagé comme un médium pluriel, le dessin participe pleinement à la modernité en raison de ses liens avec l’industrie et la manufacture, mais aussi avec l’affirmation d’une subjectivité nouvelle. 

De nombreuses séances sont prévues devant les œuvres dans les collections parisiennes d’arts graphiques (Louvre, ENSBA, etc.) Au total, 8 séances de trois heures sont prévues. Ce cours est limité à 15 étudiant·es, il est vivement conseillé de s’inscrire au préalable auprès de Charlotte Guichard. 

Validation : assiduité, participation, mini-mémoire.

Ecrire et récrire l’histoire (fresques italiennes, XIII^e-XV^e s.). Vies, légendes, narrations
Writing and Rewriting History (Italian Frescoes, 13th-15th c.). Vitae, Legends, Storytelling

Giulia Puma

LUNDI

16H - 18H

Salle Paul Langevin
(29 rue d’Ulm)

6

S2

Ouvert à tous.tes

PREMIERE SEANCE : le 19 janvier 2026.

Dès le chantier de la Basilique d’Assise (XIII^e siècle), les peintres autour de Giotto construisent plus qu’une vie de saint François, une légende. Ce cours introduit à l’iconographie des cycles de fresques italiens du XIII^e au XV^e siècle, des frères Lorenzetti à Piero della Francesca, en travaillant la notion d’historia ou récit. Le langage figuratif et son déploiement à fresque sont mobilisés par les peintres pour établir des connexions de sens multiples, et la puissance narrative d’un cycle se mesure à l’aune des différentes temporalités qui y coexistent. Interroger le fonctionnement des fresques comme historiae, c’est prendre la mesure de leur valeur comme œuvres d’art et comme sources historiques.

Validation : travail écrit.

Séminaire Autochtonie, hybridité, anthropophagie
Indigeneity, Hybridity, Anthropophagy

Morgan Labar (ENSBA Lyon/enseignant associé Dpt ART) et Daria de Beauvais (Palais de Tokyo)

UN MARDI
PAR MOIS

17H - 19H30

CALENDRIER S2 : 27 janvier, 24 février (ou 17 février en visio, à affiner), 17 mars, 7 avril et 12 mai.

Le séminaire poursuit l’étude des arts contemporains autochtones en contexte globalisé. Les termes «  autochtonie », « hybridité » et « anthropophagie » (en référence au Manifeste Anthropophage d’Oswald de Andrade publié en 1928) sont accolés afin de questionner les assignations identitaires et les essentialismes, et d’interroger l’invention de pratiques et d’identités fluides, déjouant les catégories héritées du colonialisme et permettant de repenser les rapports à la nature, au territoire, aux autres humains et aux autres qu’humains.
En laissant la parole à des chercheureuses et à des artistes, le séminaire déplace la focale des questions institutionnelles vers celles des processus créatifs, des identités assignées vers les pratiques par lesquelles l’individu s’auto-désigne et invente ses relations au monde. La notion d’anthropophagie culturelle interroge également l’articulation des questions d’identification à celles de visibilité, d’appropriation, de prédation, d’exploitation et d’extraction : nombre d’artistes autochtones utilisent les arts visuels comme vecteurs d’émancipation et de guérison, travaillant aujourd’hui à « être vu·es et non mangé·es » (Jill Carter).
Des séances de lecture et de discussion de textes alternent avec des invitations à des chercheureuses et artistes autochtones.

Validation : assiduité, participation, exposé (lecture critique d’articles/chapitres d’ouvrage).

Séminaire de Tutorat
Tutelage Seminar

Charlotte Guichard
et Olga Lemagnen

UN MARDI PAR MOIS

14H - 16H

Tutorat

CALENDRIER S2 : 20 janvier, 17 février, 17 mars (salle à déterminer), 31 mars et 05 mai.

Ce séminaire est réservé aux étudiant·es spécialistes d’histoire de l’art pour lesquels il est obligatoire. On y alternera présentations de recherches en cours (master ou doctorat), questions d’actualité (expositions en cours, ouvrages publiés). Les étudiant·es sont appelés à se saisir de ces séances, c’est-à-dire à y parler, débattre autour de sujets proposés en début de semestre.

Validation : la validation du cours dépend de la participation effective de chaque étudiant·e.

Présences animales dans l’art : les artistes à l’épreuve du non-humain (XVI^e-XVIII^e siècles)
Encountering Animals : Artistic Engagements with the Non-Human (16th–18th Centuries)

Malou Bozec

 
VENDREDI

10H30 - 12H30

Salle U209
(29, rue d’Ulm)

6

S2

Ouvert à tous.tes

PREMIERE SEANCE : le 23 janvier 2026.

Les artistes ont-ils joué un rôle dans la construction des hiérarchies interespèces ou bien ont-ils contribué à l’intégration des animaux non-humains dans notre « sphère de considération morale » ? En tant que symboles, matériaux ou agents, les animaux abondent dans les formes artistiques de l’époque moderne. Les chiens ont été interprétés comme des symboles de prestige et de virilité dans les portraits tandis que les poissons sont exposés en tant que marchandises dans les peintures d’étals produites à Anvers à partir des années 1550. Certaines espèces rares et étrangères ont été collectionnées dans des ménageries et ont fait l’objet de méticuleux portraits naturalistes. D’autres encore sont devenues des « animal-made-objects » : les écailles de tortue et les défenses d’éléphants sont à l’origine de nombreuses pièces décoratives.
Après avoir constaté que l’approche iconographique ne suffit pas pour saisir la complexité de la présence animale dans l’art, ce cours interrogera la pertinence d’une diversité d’outils épistémologiques dans l’étude de la part animale des œuvres. Celles-ci seront replacées dans leur contexte social et intellectuel afin de saisir l’évolution du regard porté sur les animaux ainsi que les relations interespèces qui s’y dessinent. Ce cours proposera enfin des pistes pour écrire une histoire de l’art qui prend en compte l’expérience animale du monde. A rebours de la théorie de l’animal-machine abusivement attribuée à Descartes, certains peintres ont peint l’animal en tant qu’agent doué de sensibilité et d’intelligence.

Validation : assiduité, lecture des articles préliminaires à chaque séance et commentaire d’œuvre.

L’histoire de l’art face aux animaux :
expériences partagées et regards croisés dans la production visuelle européenne moderne
Art History facing Animals : Shared Experiences and Crossed Perspectives in modern European Visual Production

Katie Hornstein,
(Dartmouth College)
Professeure invitée : février 2026.

 Master/ doctorat

ouvert aux étudiant.es intéressé.es

CALENDRIER :
- 4 février 2026. Le Muséum et la Ménagerie : la captivité animale et l’œil de l’artiste autour de 1800 (séminaire) - salle Camille Marbo, 10H30-12H30 (dans le cadre du séminaire "Art et Empire")
- 11 février 2026. La chasse au lion et la colonisation française en Algérie : pratiques et représentations (séminaire) - salle des Actes, 10H30-12H30 (dans le cadre du séminaire "Art et Empire")
- 17 février 2026. Conférence publique au séminaire commun du Master Histoire Transnationale : « La participation des pigeons voyageurs aux cultures informationnelles et visuelles dans le long XIXe siècle » - salle Favart

- 19 février 2026. Workshop avec Katie Hornstein (master et doctorat) - Salle Lettres 3, 9H30-12H30. Environ 10 places.

La formation, d’une durée de 10h, pourra être validée dans le cadre du Diplôme de l’ENS (DENS), du Master PAT (Parcours Arts Transdisciplinaires) du département ARTS et du Master Histoire transnationale du département Histoire à hauteur de 3 ECTS.

Pour valider le cycle, il conviendra de s’inscrire avant le 15 janvier auprès de charlotte.guichard@ens.psl.eu. Les étudiants et étudiantes inscrits devront envoyer avant le workshop un court texte (5 pages) présentant leur recherche. Celui-ci sera ensuite présenté et discuté lors du workshop avec Katie Hornstein. 

Comment les animaux ont-ils participé à la production visuelle moderne ? Si l’iconographie animalière a longtemps dominé en histoire de l’art, cette approche a aussi négligé les questions de destruction écologique, d’agentivité animale et les spécificités historiques des vies non-humaines.
Ce cycle de conférences, qui se clôturera par un workshop avec les étudiant·es, interroge l’« animal turn » dans l’histoire de l’art et propose des pistes de réflexion pour une histoire de l’art "interespèces" à partir de différents cas d’études. La figure du lion en captivité au Muséum national d’histoire naturelle et sa relation à la production des œuvres d’art par des artistes circa 1800-1830 ; la représentation de la chasse au lion au XIXe siècle en lien avec l’histoire coloniale française et la conquête de l’Algérie en particulier ; la mobilisation de l’animal dans les cultures médiatiques et informationnelles à travers la figure oubliée et pourtant essentielle du pigeon voyageur, du début du XIXe siècle à la première guerre mondiale. 

La photographie de rue contemporaine
Contemporary Street Photography

 Hélène Desy

JEUDI

10H30 - 12H30 

Module "Street ART(s). Arts urbains d’hier et d’aujourd’hui"

Ce cours réalisera un panorama des pratiques de la photographie de rue contemporaine dans un contexte international. Nous reviendrons sur les figures fondatrices de la première moitié et du milieu du XXe siècle (Helen Levitt, Harry Callahan, Garry Winogrand, entre autres), afin de situer historiquement les fondements théoriques, techniques et formels de ces pratiques photographiques, et nous concentrer dans un second temps, sur les détournements opérés par les créations plus récentes (Jeff Wall, Philip-Lorca Dicorcia, ...). Les grandes thématiques de la photographie de rue seront identifiées (le portrait de rue, les marges, l’ordinaire, l’intime dans l’espace urbain, l’archive, la surveillance et les contre-visibilités) et analysées au regard des contextes historiques, géographiques et culturels qui traversent le corpus envisagé. Une attention particulière sera accordée à l’interrogation des modes de sociabilité et des implications éthiques, esthétiques et opérationnelles qu’engendrent les photographes lorsqu’ils choisissent de s’inscrire dans l’espace public.

Validation : au choix (mini-mémoire, fiche de lecture, exposé).

Adorno et la poésie : la langue et le chant
Adorno and Poetry : Language and Singing

Fériel Kaddour

LUNDI

14H - 17H

S2

Ouvert à tous.tes

PREMIER COURS : le 19 janvier 2026.
CALENDRIER : 8 séances de 3h, dates précisées à la rentrée.
PRE-REQUIS : il n’est pas nécessaire de savoir lire une partition pour le suivre.

« Après Auschwitz, écrire un poème est barbare ». Parce que cette phrase, écrite en 1949, a été lue comme une injonction, les textes d’Adorno sur la poésie sont restés peu (ou mal) connus. Ils sont pourtant nombreux, et déclinent une pensée esthétique du poème et de la langue plus complexe qu’il n’y paraît. Ce séminaire, à l’appui des Notes sur la littérature (Hölderlin, Eichendorff, Heine notamment), de certains extraits de la Dialectique de la raison, de la Théorie esthétique et encore de la Dialectique négative, tentera donc de mettre en évidence les enjeux critiques de cette lecture de la poésie. Ces textes permettront surtout de prolonger les réflexions sur le Lied qu’Adorno déploie de manière fragmentée et parcellaire. Ils seront donc commentés en regard de ses écrits musicaux (sur Schubert, Mahler et Berg notamment). Ils permettront ainsi de tracer les grandes lignes de ce qui pourrait être une « théorie critique de la langue », élaborée tant au contact de la poésie que de la musique (Beethoven, Schönberg).

Validation : mini-mémoire.
Ce séminaire peut être validé dans le cadre de la mineure « cultures germaniques ».

Perspectives musicologiques
Musicological Perspectives

Fériel Kaddour

avec la collaboration des étudiants musicologues du Département ARTS

calendrier précisé à la rentrée

PREMIERE SEANCE : précisions à la rentrée

Qu’est-ce que la recherche en musicologie ? La discipline est diverse et se prête à des méthodes de travail contrastées. Ce séminaire tentera d’en offrir un panorama aussi large que possible, en s’ouvrant notamment à des questions et des répertoires peu abordés par les autres enseignements musicologiques du Département (musique ancienne, musiques actuelles, histoire des institutions culturelles, sound studies, etc.). Certaines séances seront consacrées à des questions spécifiques de méthode. Elles sont vivement recommandées aux étudiant.e.s de Master. Programme détaillé à la rentrée.

Validation : mini-mémoire.

Initiation à l’orchestration
Introduction to Orchestration

Karol Beffa

MERCREDI

14H30 - 16H30

PREMIERE SEANCE : le 28 janvier 2026.

Ce cours propose un aperçu de l’histoire de l’orchestration, depuis l’orchestre classique jusqu’à l’orchestre romantique et moderne. Il cherche à faire acquérir aux étudiants une connaissance des particularités des différents instruments, afin qu’ils arrivent à une meilleure maîtrise de l’écriture pour diverses formations, de la musique de chambre au grand orchestre : une partie du cours précise, grâce à l’analyse, la fonction de chaque instrument dans l’ensemble ; une autre partie aide les étudiants à se familiariser avec l’écriture pour cordes ou pour vents.

This course offers an overview of the history of orchestration, from the classical orchestra to the romantic and modern orchestra. The aim is to give students an understanding of the particularities of the different instruments, so that they can master the art of writing for a variety of ensembles, from chamber music to large orchestras : one part of the course uses analysis to clarify the function of each instrument in the ensemble ; another part helps students to familiarise themselves with writing for strings or winds.

Validation : participation et exposé.

Musicologie pour spécialistes
Musicology for Specialist : Analysis and Writing

Fériel Kaddour et Fabre Guin

MARDI

8H30 - 12H30

 Salle musique 46

 12/S

S1/S2
(sécables)

Avancé

PREMIERE SEANCE : le 20 janvier 2026.
PRE-REQUIS : Très bon niveau de solfège et bases solides d’analyse musicale. Ce séminaire est également ouvert aux étudiant.e.s spécialistes d’autres disciplines qui souhaitent intégrer la musicologie dans leur parcours d’études.

Réservé en priorité aux musicologues spécialistes, ce cours se compose en deux temps : le premier (8h30-10h30 – Fériel Kaddour) est consacré à l’analyse musicale, et le second à l’harmonie (10h30-13h – Fabre Guin pour l’écriture ; exercices d’harmonie au clavier avec F. Kaddour). Le second temps est réparti par groupes de niveaux, constitués à la rentrée. Certaines séances auront lieu en commun (analyse + harmonie, avec les deux enseignants, sur l’ensemble de la matinée).

Cours d’analyse : il a pour but l’acquisition d’une connaissance tant technique qu’esthétique des styles « classique » (Mozart, Haydn, Beethoven), « romantique » (Schubert, Schumann, Chopin, Liszt) et post-romantique (Brahms, Mahler, Wolf). Répertoire du S1 : Beethoven (formes longues), Mozart-Schubert (formes brèves : analyse harmonique).

Cours d’écriture : 
- Niveau 1 : Initiation aux différentes techniques d’écriture du langage tonal, dans des formes musicales simples. Notions d’harmonie et de mélodie, de contrepoint et de polyphonie, discours rythmique, bases d’écriture instrumentale et de réflexion sur l’utilisation des formes. Travail rythmique à partir de danses baroques, travail harmonique à partir d’une mélodie d’esthétique classique, travail contrapuntique à partir de chorals, travail d’élaboration compositionnelle à partir d’un matériau de type minimaliste (Reich, phasage/déphasage), travail d’instrumentation des exercices réalisés en cours.
- Niveau 2 : Projection des acquis harmoniques dans un langage, une forme, un discours musical stylistiquement et esthétiquement cohérents. Travail sur les styles de différents époques et compositeurs, du baroque au romantisme : connaissance du répertoire par l’analyse et par l’imitation écrite et/ou réalisée au piano, réflexion sur différents types de constructions formelles.

Validation : contrôle continu.

L’idée de nature dans le Lied romantique allemand
The Idea of Nature in German Romantic "Lied"

Ouvert à tous.tes
sur inscription

INSCRIPTION : Le nombre de places est limité : s’adresser à feriel.kaddour@ens.fr pour solliciter une inscription.
CALENDRIER :
- Une séance préparatoire en visio-conférence
- Stage délocalisé sur cinq jours – du 3 au 7 mars (tous renseignements donnés à la rentrée)
PRE-REQUIS : il n’est pas nécessaire de savoir lire une partition pour suivre ce séminaire. Les apports venus des autres arts ou des autres disciplines sont bienvenus.

Chaque journée du stage s’organise comme suit : un cours le matin, un atelier d’ouverture l’après-midi, une discussion thématique le soir (autour d’une question, d’un texte, ou d’un spectacle).

Le poète marchant par les sentiers forestiers : telle semble être la posture convenue du Lied romantique (et post-romantique) allemand. C’est cette posture qu’il s’agira d’interroger, en travaillant sur quelques œuvres centrales de ce répertoire (Schubert, Schumann, Mahler). La spécificité du séminaire tient à ses approches pluridisciplinaires. Même si la musique sert de fil conducteur au travail, il n’est pas impératif de savoir lire une partition pour s’y inscrire. Les travaux de recherche seront répartis par groupes pluridisciplinaires : toutes les compétences, théoriques et artistiques, y sont les bienvenues !

Validation : soit sous forme de séminaire (travail écrit ou exposé), soit sous forme d’expérience collective de recherche (précisions données en début de semestre).

Théâtre et musique (XVII^e-XX^e siècles)
Music and Drama (17th to 20th Centuries)

Julia Gros de Gasquet

 
LUNDI

10H30 - 12H30

Ouvert à tous.tes

Les liens entre théâtre et musique sont multiples : qu’il s’agisse de musiciens et musiciennes qui accompagnent une représentation ou d’intermèdes tissés de manière plus ou moins lâche à la trame théâtrale, qu’il s’agisse de la voix des comédiens et comédiennes, de ses effets sur l’auditoire, la musique et le théâtre sont indissociables. Comment cette co-présence des arts a-t-elle été pensée et mise en œuvre sur le temps long de l’histoire ? Quelles sont les récurrences, les permanences ou les ruptures esthétiques ? Comment rendent-elles compte du théâtre en tant que fait social, esthétique et politique ? Autant de questions que nous aborderons pas à pas, à l’écoute du théâtre, de ses grandes et de ses petites musiques.

Validation  : assiduité et dossier.

Lire, dire, jouer les matrimoines théâtraux (XVII^e-XIX^e siècles)
Telling, Reading, Performing Theatrical Feminine Heritage (17th to 19th Centuries)

Julia Gros de Gasquet

MARDI

14H - 16H

Ce cours interrogera la notion de matrimoine, son ancrage théorique récent et sa mise en pratique notamment dans les travaux de Perry Gethner, Henriette Goldwyn et Aurore Evain. Nous lirons et mettrons en voix les théâtres de femmes qui se sont écrits et joués aux XVII^e, XVIII^e et XIX^e siècles. Nous réfléchirons à l’existence de ces textes du point de vue de leur performance, du canon théâtral dont ils relèvent et des circuits de production dans lesquels ils ont été créés ; nous accèderons à leur valeur intrinsèque, nous percevrons le succès que ces écritures féminines remportaient très souvent et essaierons de saisir les raisons de leur oubli.

Validation  : assiduité et dossier.

Une histoire de la danse contemporaine : repères, enjeux et perspectives
A History of Contemporary Danse : Key Moments, Challenges and Current Perspectives

Aurélien Degrez

MERCREDI

9H30 - 12H30

PREMIERE SEANCE : le 21 janvier 2026.

Ce cours propose d’introduire les grands enjeux et repères historiques de la danse de la seconde moitié du XX ème siècle à nos jours, à partir d’une question simple mais centrale dans le champ universitaire et artistique : Qu’est-ce que la danse contemporaine ? (Frimat, 2010). De quoi ce contemporain est-il le nom lorsqu’il qualifie des pratiques scéniques si diverses depuis les années 1950 ? S’élabore-t-il en simple opposition aux canons du classique ? Quelles distinctions peut-on relever entre le « contemporain des débuts » en comparaison à la scène chorégraphique d’aujourd’hui, pourtant qualifiée elle aussi du même terme ?
Pour répondre à ces questions, notre cours s’articulera en deux temps : en premier lieu une analyse historique et esthétique afin d’identifier les grands courants [danse moderne et postmoderne américaine, théâtre-dansé, Nouvelle danse française, danses conceptuelles et performatives, etc.] et figures majeures de la danse contemporaine ; en second lieu, un atelier de discussion critique, centré sur l’actualité chorégraphique à Paris et en Île-de-France. Le programme des sorties et spectacles sera communiqué lors de la première séance.

Validation : assiduité, exposé oral ou dossier écrit.